Esta dissertação examina as relações entre o teatro e a literatura na peça La Ilíada (2000), do escritor, dramaturgo e diretor argentino César Brie (1954-). A análise tem como eixo principal os conceitos de performance, intertextualidade e tradução teatral. A partir da perspectiva da memória, desenvolvem-se reflexões sobre o caráter performático que atua em determinados campos dessa escrita teatral, que remete ao julgamento das ações históricas e sociais do passado no presente do contexto de produção. A partir da restauração da memória, este trabalho tece considerações sobre a passagem do luto iliádico para a obra, por meio da intertextualidade, tentando demonstrar a atualidade da temática da perda no contexto pós-ditatorial latino-americano. O processo de construção do texto dramático é examinado à luz da teoria da tradução teatral, que se move pelas rupturas de espaço e tempo, mediações de culturas heterogêneas e determinação do lugar de enunciação. Articula-se o sentido político da obra em questão com uma revisão do papel da democracia em contexto específico do texto dramático.
Por cerca de dois anos trabalhei nas editorias de cultura dos jornais Diário Catarinense e A Notícia, ambos de Santa Catarina. Durante este período pude perceber o descrédito dos artistas de teatro para com a imprensa. A reclamação era quase generalizada sobre o espaço dado ao teatro nos jornais. A imprensa, segundo os artistas, dava pouca atenção a esta forma de arte, mas o maior problema era com a crítica teatral. Esta percepção se tornava mais estranha, já que naquela época (1992) não havia críticos teatrais em Santa Catarina. Quase como algo atávico, os que lidavam com o teatro reclamavam da crítica nacional, sendo que muitos daqueles nunca tinham tido seus espetáculos analisados por críticos. Desta forma, ao fazer minha monografia de especialização1 pesquisei qual a origem das divergências que ocorriam entre artistas e críticos. O meu maior questionamento foi acerca das razões do desentendimento entre os profissionais de teatro com relação ao trabalho realizado pela crítica teatral. Percebi que o que havia, naquele momento, virado preconceito, pelo menos por parte dos não-criticados, não podia ser analisado de forma geral. Sendo assim, neste trabalho busquei três casos-modelo, com razões de conflitos diferenciados para buscar melhor compreender os desentendimentos entre a classe teatral e a crítica de teatro. Os casos escolhidos foram: a saída de Décio de Almeida Prado de sua função de crítico, em 1968, depois que artistas devolveram os prêmios Saci em protesto à postura do jornal O Estado de S.Paulo em relação à censura; o embate entre José Celso Martinez Corrêa e Sábato Magaldi devido à análise do crítico ao espetáculo Gracias, Señor e o conflito entre Bárbara Heliodora e Gerald Thomas, após a primeira haver dito que ele não era bom autor, em 1993.
Esta dissertação tem como objetivo investigar e registrar procedimentos artístico-pedagógicos para a constituição de processos de criação teatral com o intuito de poder contribuir para a instrumentalização de condutores de processos de teatro e educação que possam se estabelecer em diferentes locais de aprendizagem. A presente pesquisa encontra justificativa na hipótese de arte- educadores buscarem reciclagem e aperfeiçoamento artístico-pedagógico para o exercício da condução de processos de aprendizagem que tenham o teatro como linguagem. Para tanto realizei experimento
com um grupo de jovens estudantes de arte dramática de uma escola profissionalizante de atores em São Paulo em 2004 a partir da obra dramática A Linguagem das Flores de Federico Garcia Lorca.
O objeto desta dissertação é o operador conceitual teatro performativo, formulado pela pesquisadora franco-canadense Josette Féral. O teatro performativo é abordado como uma ferramenta de reflexão e análise sobre algumas práticas cênicas contemporâneas. Nosso objetivo é o de mapear a pesquisa de Fèral, que ainda se encontra em processo de elaboração. Para Féral, o conceito de performatividade está no centro da discussão da arte e do teatro contemporâneos. A autora faz uso de duas visões de performance para construir sua noção de performatividade. A primeira é cultural e antropológica e segue na esteira dos Performance Studies, difundidos pelo diretor e estudioso americano Richard Schechner. A segunda visão é mais voltada para a esfera artística/estética e tem como fonte o campo da performance art. A dissertação apresenta, ainda, uma reflexão sobre uma das marcas do teatro performativo atual, que é trabalhar com o recurso ao real, instalando na cena a ideia de evento (acontecimento). Ao trazer o real para a cena, a obra pode gerar uma quebra momentânea com a ilusão (teatralidade), provocando um embaçamento nos paradigmas da representação tradicional no teatro.
El malefício de la mariposa, de Federico García Lorca, reflexão e análise, tem como objetivo fazer uma reflexão sobre os aspectos dramático, social, poético e literário desta obra da juventude do poeta e dramaturgo espanhol. Para isto, percorremos uma trajetória que nos levou a pesquisa sobre a renovação do teatro espanhol, como uma proposta de inovação. Estudar esta obra no seu conceito social e como proposta de realização de um teatro total foi um mergulho no contexto histórico da época. Escrita em prosa e verso, o lirismo está presente na construção de um tema que trata da liberdade de escolha e valores intrínsecos à alma humana. A crítica social é clara quanto ao comportamento dos personagens representados por meio de insetos: baratas, escorpiões, vermes e a própria mariposa. Uma obra modernista que aborda conflitos existenciais entre ser e estar no mundo e o confronto com o próprio ser. A chegada de uma mariposa branca que cai ali no prado de baratas, com a asa machucada, incomoda pela sua luz, ofuscando a rotina dos insetos que ali vivem, acomodados em seu cotidiano em branco e preto. Em seu texto dramático, Lorca deu vida aos pequenos insetos, dotando-os de espírito e voz, aproximando esta obra da fábula infantil. Pesquisar sobre este gênero de literatura significou um encontro com vários autores que também elegeram os animais como representantes dos homens. Dentro de uma reflexão pessoal, pretendemos mostrar que esta polêmica peça de teatro, foi um marco decisivo de uma mudança expressiva nos conceitos teatrais da época.
Neste trabalho dissertativo se analisa a peça Fábrica de Chocolate, do escritor Mário Prata,
no contexto da distensão política do final da década de 1970 no Brasil. Fruto de uma visão
privilegiada de quem viveu o período e passou pelas prisões da ditadura militar de 1964-
1985, Mario Prata faz um inventário da ditadura e de seu principal caudatário: a tortura de
brasileiros por crimes de opinião e de ideologia. Utilizando-se de uma linguagem cheia de
armadilhas, Prata cria um cenário e um ambiente em que diversos sentimentos e sensações
passam pela mente e pela vista do espectador, fazendo-os refletir sobre o seu papel e sua
postura diante de um processo de degradação humana que foi utilizada como política de
defesa do Estado. Com base nos escritos de Bakhtin (2003), Fromm (2013), Arendt (1973),
busca-se neste texto compreender esse processo de construção estética e formação dialogal
entre autor, personagens e espectadores. Conclui-se que Prata buscou inventariar as
práticas de tortura do regime militar expondo ao público o que se fazia às escondidas, ao
mesmo tempo em que perguntava: o que você fazia quando isso estava ocorrendo?
Este estudo desenvolve uma análise da dramaturgia da Silveira Sampaio em ralação à tradição de costumes brasileira, investiga através de comédias de Martins Pena e da produção de Geração Trianon. Aspectos próprios do cômico são identificados nessas dramaturgias à luz dos pensadores Henri Bergson e Vladímir Propp, cujas teorias serviram de fundamento para elaboração de um método de análise textual pontuado nos elementos: enredo, caracter e piada. Em segundo momento, pesquisa-se a fortuna crítica de Silveira Sampaio e identificam-se tendências paradoxais na historiografia teatral brasileira de aproximá-lo da corrente modernista ou relegá-lo à condição de um autor menor. O uso de referências à psicanálise - no contexto das décadas de quarenta e cinqüenta - é objeto de investigação para a inclusãode sua dramaturgia na esfera do moderno. Além de aspectos próprios do conteúdo, também a forma - através de análise das construções dialogais - serve para esta aproximação. A obra do dramaturgo Nelson Rodrigues - contemporâneo a Silveira Sampaio - serviu como principal modelo de dramaturgia brasileira moderna. As peças de Silveira Sampaio A garçonnière de meu marido e Deu Freud contra são estudadas em maior profundidade, com o propósito de corroborar as premissas apresentadas neste estudo.
ct:Esta dissertação analisa a simbologia na obra Marta, a árvore e o relógio de Jorge Andrade, a fim de compreender a ligação simbólica utilizada entre as peças do ciclo, bem como perceber se o dramaturgo utilizou os símbolos da maneira convencional ou atribuiu novos sentidos aos mesmos. O ciclo de dez peças de Jorge Andrade tem, entre muitos objetivos, a nacionalização do drama brasileiro bem como dar voz aos marginalizados, compreendendo-os como parte integrante da história. O estudo interpretativo tem como bases teóricas principais para o estudo da dramaturgia brasileira Anatol Rosenfeld, Sábato Magaldi, Décio de Almeida Prado, João Roberto Faria, Mário Guidarini e para o estudo do simbólico Gaston Bachelard, Gilbert Durand, Mircea Eliade, Carl G. Jung, Pierre Bourdieu entre outros. O dramaturgo escolhe, dentre os seus símbolos principais, um símbolo de liberdade que é Marta para contar o ciclo e para lutar pelos sem rosto. A árvore, que não só representa a genealogia, mas também a ligação com o transcendente, a proteção e a vida. E orelógio sem ponteiros que remete ao tempo parado no ar, à luta do homemcontra o tempo e contra a história, que é sempre contada pela ótica dominante e excludente. A forma como Andrade costura a história do Brasil, os diversos símbolos presentes na sua obra e a árvore genealógica das suas personagens revelam um dos maiores gênios da dramaturgia brasileira.
Esta pesquisa propõe a reflexão sobre o fazer teatral do Grupo de Teatro São Gonçalo do Bação nas suas inter-relações com as reminiscências da comunidade do distrito rural de São Gonçalo do Bação, em Minas Gerais. A partir de histórias orais, repassadas de geração em geração, o Grupo de Teatro constrói coletivamente seus textos e os encena para a comunidade do distrito. Nessa ação, o Grupo e, conseqüentemente, o Teatro produzido, estabelece relações de identidade e pertencimento para uma comunidade rural emersa no 'mundo globalizado'?. Como instrumentos de análise são utilizados três textos dramtúrgicos do Grupo de Teatro e suas encenações. No intuito de identificar as relações entre Teatro e Comunidade, foram realizadas entrevistas com diversos membros da comunidade envolvidos no processo de produção e assistência das encenações, utilizando os métodos propostos pela História Oral.
Esta pesquisa tem como objetivo formular, descrever e compreender princípios gerais para o treinamento vocal do ator. Para chegar a estes princípios, partiu-se de experiências, tanto na Costa Rica quanto atualmente no Brasil, do contato com o trabalho de Roy Hart, por meio de Richard Armstrong, e das pesquisas feitas com sete especialistas e professores de voz brasileiros. Após revisão bibliográfica sobre o tema, foram feitas entrevistas individuais com os sete pesquisadores escolhidos, participação em aulas e treinamentos, assim como assistência a espetáculos apresentados por eles. Finalmente, a realização de um processo de treinamento-encenação completou as
ferramentas para a postulação dos princípios. Eles confluem em dois pontos fundamentais: voz é energia, que pode ser transformada, por meio do treino-criativo, em poética teatral.
Esta dissertação estuda, analisa e conclui a respeito dos idosos presentes em nove das dez peças que compõem o ciclo Marta, que é a primeira e mais importante parte da dramaturgia de Jorge Andrade. Com ela, pretendemos detectar, revelar e valorizar a presença do idoso na obra jorgeandradina, que tem sido pouco notada pela crítica e por outros estudiosos. Acreditamos que, alem dos estudiosos do teatro de Jorge Andrade, ela possa também contribuir com os interessados na problemática das pessoas
pertencentes à terceira idade.
Esta dissertação apresenta um estudo interpretativo e comparativo das peças Dois Perdidos
Numa Noite Suja, Navalha na Carne e Balada de um Palhaço, de Plínio Marcos. O objetivo
principal é evidenciar o ineditismo da criação estética realizada pelo autor, bem como a sua
importância no cenário teatral brasileiro, nos planos do conteúdo e da forma. Observa-se que,
a análise proposta parte do princípio de que as obras suscitam distintos temas ontológicos e
universais à humanidade, por vezes semi-ocultos na superfície textual de aparência prosaica.
Desta forma, é pertinente o tratamento de aspectos que viabilizem a interação com a produção
artística pliniana, tais como a desenvoltura da linguagem, composição das personagens e
tessitura dos conflitos. O exame individual dos textos dramáticos é seguido de um cotejo mais
específico entre eles, a fim de melhor ressaltar suas características, compostas de semelhanças
e diferenças, que por caminhos distintos expressam imensurável qualidade artística. Para a
realização da pesquisa segue-se a metodologia de cunho dedutivo, bibliográfico e documental,
em que o aporte teórico conta: com artigos publicados à época das apresentações das peças de
Plínio Marcos; teóricos do âmbito da literatura e do teatro, dentre eles: Artaud (1999),
Bakhtin (1981, 2002, 2003), Bonfitto (2002), Bornheim (2007), Dort (2010), Magaldi (1994),
Nietzsche (1994), Prado (2001), Rosenfeld (1982, 1985, 2008), Szondi (2001), Virmaux
(1978). Cumpre ressaltar a incidência dos conceitos teóricos na análise das peças, objeto do
corpus de pesquisa, que se fundamenta pela tessitura do texto dramático, pois não se
contempla aqui o estudo da encenação dos espetáculos.
Centro de Letras e Artes - Programa de Pos-graduação em Teatro
202 f
Esta dissertação trata do teatro de mamulengos da Zona da Mata pernambucana, focalizando, especialmente, o trabalho dos mestres Zé Lopes, do Município de Glória do Goitá, e de Zé de Vina, de Lagoa do Itaenga. Entendido como 'teatro popular tradicional', é assim classificado por reunir características e técnicas específicas intrínsecas, que pretendem ser apontadas nesta pesquisa. Por sua atuação bastante presente nessa região, as fontes primárias utilizadas foram produzidas a partir de trabalho em campo, o que faz da etnografia uma técnica empregada. Os personagens têm importância fundamental nesse tipo de teatro, tendo sido descritos e estudados os mamulengos do acervo dos mestres Zé Lopes e Zé de Vina.
O objetivo desta dissertação é trabalhar com a semiótica do espetáculo teatral, dando especial atenção à diferença entre o texto dramático e o espetacular através de seis peças apresentadas em Belo Horizonte: A Serpente, O Beijo no Asfalto, O Casamento (de Nelson Rodrigues), El Coronel no tiene quien le escriba (de Gabriel Garcia Márquez), Rua da Amargura (do grupo Galpão) e El Continente Negro (de Marco Antonio de Ia Parra). Para tal, serão enfatizados outros espetáculos, assistidos entre os anos 1994 e 1998, possibilitando a aquisição de suporte metodológico para realizar as análises dos textos e suas respectivas montagens, bem como a recepção destes pelo público.
Diante da importância das montagens da obra do Bardo, como é conhecido William
Shakespeare (1564-1616), e a relevância do Grupo Galpão de Belo Horizonte - MG,
no contexto do teatro brasileiro, a presente dissertação tem como ponto de partida o
estudo da literatura dramática e como objeto de estudo a análise da montagem de
Romeu & Julieta, analisando-a no que diz respeito à sua forma, conteúdo,
linguagem e crítica, os quais são formadores da identidade do grupo e se aproximam
das formas épicas na construção de seus espetáculos. Este estudo não está alheio
ao campo da história da formação do Galpão (1982), que aconteceu após a oficina
com os diretores alemães do Freies Theater München – FTM, Teatro Livre de
Munique. Consequentemente, também, faremos um painel da modernização do
teatro, entre os anos 1920-1940 e o desenvolvimento da prática teatral coletiva no
Brasil (1950-1960). Analisaremos a estética da montagem Romeu & Julieta,
concebendo seu percurso estético, seus processos de adaptação pelo grupo mineiro
e sua importância decisiva no panorama da cultura nacional. Utilizaremos registros
em vídeo das montagens realizadas no teatro Globe, em Londres (2012). Este
estudo nos levará, necessariamente, a passar pela história da formação do grupo e
a influência do teatro alemão; suas peculiaridades estéticas e o contexto social no
qual o grupo está inserido. Para a análise do texto dramático, utilizaremos a
tradução de Onestaldo de Pennafort (1937) e adaptação por Cacá Brandão (2007)
com a linguagem de Grande Sertão: Veredas (1994) de Guimarães Rosa para
criação do narrador na peça; além da concepção por Gabriel Villela (1992) para
análise da montagem em si. Partindo disso, sabemos que o sucesso e o
reconhecimento internacional da adaptação do Galpão é expressão da sua
importância na história do teatro de grupo brasileiro, que volta a ser discutido no país
em meados dos anos 1980-90.
O objetivo da pesquisa foi realizar uma reflexão crítica sobre o espaço teatral na cidade de São Paulo, pelo viés da Geografia, no período de 1999 a 2004, utilizando como referenciais teóricos Anne Ubersfeld e Milton Santos. O tema foi investigado a partir da hipótese de que a natureza do lugar teatral é ser um agente, uma espécie de mídia definidora do processo teatral, em sua relação com as políticas culturais do período (Lei de Incentivo à Cultura, Lei do Fomento ao Teatro e implantação de salas de teatro nos CEUs), e com os Guias de Teatro da cidade jornais Folha de São Paulo e o Estado de São Paulo). Foi elaborado um banco de dados com informações acerca desses lugares e da sua relação com os respectivos Guias de Teatro, na cidade de São Paulo, no período de 1999 a 2004.O lugar teatral revelado na cartografia que surgiu das informações desse banco de dados caracterizou-se como múltiplo; fortemente ligado ao distrito central da cidade; com tendência à polarização entre as salas pequenas e grandes; forte ação do teatro de grupo na criação de novos espaços; e propriedade, na sua maioria, privada. A partir destes dados, discutiu-se a "crise" do edifício teatral e a importância da atividade Teatro se vincular social e culturalmente ao lugar geográfico. Definiu-se, o lugar teatral pela noção de uso - na forma de um território vivido - e não pela arquitetura do edifício que ocupa.
Por esta Dissertação de Mestrado, intitulada: José Celso Martinez Corrêa: um xamã-cidadão na tragycomediaorgya, será discutida a possibilidade de legitimar e atribuir tais conceitos: xamã, cidadão e político – xamã-cidadão, a prática conhecida como tragycomediaorgya, e vinculá-los a José Celso. A estrutura desta pesquisa está dividida e organizada em três principais partes, que possuem, por sua vez, novas divisões, de modo a melhor organizar os argumentos defendidos. Além disso, estão presentes também as Considerações Iniciais e as Finais. Temos a análise que aproxima as reflexões sobre o conceito de xamã, bem como a caracterização de algumas de suas funções – como a de conjurar forças e ser indutor de rituais; a investigação da técnica que permite ao xamã atingir o êxtase; e, finalmente, a aproximação entre o conceito de xamã e do pajé. Para tais discussões e conceitualizações, utilizaremos como referencial teórico os seguintes pensadores: Mircea Eliade, Herbert Baldus e Carlos Fausto. Busca-se, ainda, verificação da premissa de que José Celso se configura enquanto agente político. Para tanto, Hans-Thies Lehmann foi utilizado como a base teórica na investigação estética e Ileana Diéguez Caballero na pesquisa das ações cotidianas (‘a voz de uma cidade’). Empregaremos o conceito antropofágico, formulado por José Celso, qual seja a tragycomédiaorgya, como linha condutora e procedimental que o fundador do Oficina utiliza para contagiar e integrar, tanto os atores do grupo, quanto os espectadores e cidadãos à sua volta. Apresentaremos as origens e definições que o artista atribui ao conceito fundado para definir sua prática teatral.
Em Configurações de Palco e Platéia no Teatro, disserto sobre o arranjo espacial entre representação e público no drama falado. Ao definir, sumariamente, alguns termos de teatro, destaco o espaço teatral em que palco e platéia se apresentam como elementos essenciais. Palco e platéia compartilham uma relação inseparável, cuja união se estabelece de várias formas. Através de exemplos e diagramas, apresento algumas configurações que se tornaram típicas nas história teatral do ocidente.
